Мои любимые картины из музея «Метрополитен»

Мои любимые картины из музея «Метрополитен»

Метрополитен – американский музей в Нью-Йорке. Музей существует благодаря материальной поддержке не только крупных, но и множества мелких частных жертвователей, почти обходясь без помощи государства. На эти деньги музей покупал сокровища по всему миру. И капиталы могут служить искусству. Метрополитен - великолепное собрание шедевров разных эпох и стран. Ныне там находится два с лишним миллиона экспонатов. У каждой картины есть свои поклонники и почитатели. Ниже представляю подборку картин, на которые отозвалась моя душа. И хочется их представить читателям моего блога. Доброго просмотра!

РАФАЭЛЬ САНТИ. (1483-1520). Мадонна с Младенцем и святыми (Алтарь Колонна) До 1504. Дерево, темпера. 172,4x172,4. Метрополитен. Нью-Йорк

Картина является ранней работой Рафаэля, чье творчество представляет собой одну из вершин итальянского Возрождения, и изначально находилась в монастыре святого Антония Падуанского в Перудже. Изображение Мадонны с Младенцем и предстоящими святыми было центральной частью алтаря, который в 1678 попал в собрание герцогов Колонна в Риме. Отсюда второе название произведения - «Алтарь Колонна».

Алтарь создан, вероятно, в то время, когда Рафаэль еще пребывал в мастерской своего учителя Перуджино. Влияние этого художника и живописи предшествующего столетия, Кватроченто, сказалось и в иконографии Мадонны, сидящей на троне под балдахином, и в сложной многофигурной композиции «святого собеседования», которое объединяет вокруг Богоматери с Младенцем святых Петра, Павла, Екатерину, Лючию (или Цецилию) и маленького Иоанна Крестителя. Но в произведении уже заметно стремление придать фигурам величественность и в то же время наделить их общим гармоничным настроением, наполнить лица, жесты и позы неземным спокойствием. Все это, доведенное до совершенства, станет особенностью живописи Рафаэля и шире - Высокого Возрождения. А Мадонна с Младенцем Христом и маленьким Иоанном Крестителем - одной из любимых тем художника.

Андреа Мантенья. Поклонение пастухов. Вскоре после 1450. Холст, темпера, переведено с дерева. 40x55,6. Метрополитен. Нью-Йорк

Творчество Мантеньи являет крупного, по сути, первого по-настоящему ренессансного мастера в Северной Италии.
События христианской истории Мантенья воспринимает как что-то очень близкое, поэтому в его картине много живых подробностей - поза задремавшего Иосифа, изодранные одежды пришедших издалека пастухов, простонародные лица этих людей. Но в то же время, изображая взрослых участников сцены, художник немного изменил обычные человеческие пропорции, наделив персонажей небывало высоким ростом. Главные действующие лица приближены к зрителю, в то время как пейзаж резко уходит вдаль, что подчеркивает торжественность всей сцены.
Пейзаж с его суровым каменистым ландшафтом, отличающим многие картины Мантеньи, усиливает впечатление мощи полотна. Сцена поклонения разворачивается на площадке, напоминающей горное плато, вдали изображена скала, справа - опиленное дерево с чуть отросшими ветками, гора, почти лишенная растительности, и только вдали виден зеленеющий холм.
Живопись Мантеньи - яркая и сухая, словно овеянная горячим ветром, а воздух до того прозрачен, что видны мельчайшие подробности вдали. У художника Священная история преображает землю, он словно напоминает, что после пришествия Христа все лицо этого мира изменилось, и человек не может жить, как прежде: он должен стать сильнее. Удивительно, что такое впечатление производит совсем небольшая картина, так как Мантенья прославился как монументалист.

Хуан де Фландес. (работал с 1496. умер в 1519). Явление Христа Марии - Хуан де Фландес. Около 1496. Дерево, масло. 63,5x68,1. Метрополитен. Нью-Йорк

Картина испанского живописца Хуана де Фландеса «Явление Христа Марии» - часть алтаря, который, в свою очередь, является копией с оригинала нидерландского художника Рогира ван дер Вейдена. Фландес выполнил произведение по заказу королевы Изабеллы Кастильской.
Ван дер Вейден был учеником Робера Кампена и унаследовал от него любовь к насыщенному цвету и умение создавать сложные пространственные композиции. Здесь, в уходящей вдаль перспективе, разворачиваются евангельские события. На первом плане изображено, как Христос является Богоматери, они протягивают друг к другу руки, на лице Марии - печаль от пережитого страдания при виде распятия Сына, а также смирение и радость. Вдали изображено предшествующее этой встрече чудесное событие - сцена Воскресения Христа. Таким образом, автор представил ретроспективу сюжета. Открытое архитектурное пространство, в котором совершается основное действие картины, напоминает о новой церкви Христовой, а обрамляющую композицию арку украшают скульптурные группы на сюжеты из Нового завета.

 

Ян Вермеер Делфтский (1632 – 1675). Молодая женщина с кувшином у окна. Ок. 1660-1662. Холст, масло. 45,7x40,6. Метрополитен. Нью-Йорк

После победы буржуазной революции национальное искусство Голландии почти целиком обратилось к миру обычного человека. Одним из тех, кто воспевал радости частного существования, стал Вермеер, всю жизнь проживший в родном Делфте среди людей, которых хорошо знал и любил. Он нередко изображал женщин за каким-нибудь домашним занятием, причем в одном и том же антураже: белая стена, на ней карта, окно, стол, покрытый ковром. Персонажи при этом совершают такие простые действия, как на представленной картине: женщина открывает окно, придерживая другой рукой кувшин.
Рассеянный дневной свет, льющийся в комнату, делает мягкими черты лица и контуры предметов, наполняет глубиной краски. Как писал Ван Гог, «... надо всем дивно синий небосвод и солнце, которое струит сияние светлого зеленовато-желтого цвета; это мягко и чарующе, как сочетание небесно-голубых и желтых на картине Вермеера Делфтского». Вермеер был внимателен к подробностям: кувшин отражает голубую драпировку, а поверхность таза - ковер.

 

Рембрандт Харменс Ван Рейн (1606 – 1669). Аристотель перед бюстом Гомера - 1653. Холст, масло. 143,5x136. Метрополитен. Нью-Йорк

Рембрандт (1606-1669), несмотря на то, что жил в Голландии, не совсем вписывался в традицию ее искусства и вообще выходил за всякие рамки. Он создал произведение «Аристотель перед бюстом Гомера» в тот период жизни, когда оказался непризнан на родине, но стал любим за ее пределами. Сицилийский богач и меценат Антонио Руффо пожелал украсить свою картинную галерею изображением Аристотеля, и Рембрандт написал его.
Философ одет в наряд XVII века - рубашку с пышными рукавами и жилет, на голове у него - бархатная шляпа, на груди - серебряная цепь с медальоном, изображающим его воспитанника, Александра Македонского. Впрочем, цепь, какую носили богатые голландцы того времени, видна гораздо лучше, чем медальон. Все вместе создает впечатление, что Аристотель - современник художника и запросто зашел к нему в мастерскую. Тем более, что изображенный здесь бюст Гомера - скорее всего тот, что находился в доме Рембрандта и фигурировал в описи имущества, изъятого у него за долги.
Фигура Аристотеля выплывает из полумрака. Он ведет незримую беседу с другим великим философом, и на лице его такая глубокая задумчивость, какая бывает только у людей, прикоснувшихся к тайнам бытия. От бюста Гомера словно исходит сияние, озаряющее его «собеседника» и выглядящее светом истины, разгоняющим мрак. «Он не был ни исключительно религиозным живописцем, - сказал о Рембрандте бельгийский писатель Эмиль Верхарн, - ни творцом фантастических драм и живописных снов... Он был воплотителем сверхъестественного. Под его кистью чудо кажется действительно совершившимся, так много вкладывал он в него глубоких, чисто человеческих чувств».

Эль Греко (1541 – 1614). Вид Толедо - Около 1600. Холст, масло. 121,3x108,6. Метрополитен. Нью-Йорк

Родившийся на Крите, учившийся и познавший первую славу в Италии, а обосновавшийся в Испании, этот живописец не принадлежал целиком ни к одной из художественных традиций и школ. Действие в его картинах всегда разворачивается в некоем фантастическом пространстве, поэтому пейзаж в живописи художника даже в виде фона встречается редко. Но Толедо, ставший для Эль Греко (1541-1614) родным, он рисовал не раз.
На холсте «Вид Толедо» угадываются река Тахо, Кафедральный собор и крепость Алькасар, но это не совсем реальный город. Изображенное кажется видением, сном, настолько оно заряжено невиданной энергией. На полотне разворачивается драма, действующими лицами которой являются небо, где летят и вздымаются озаренные вспышками молний облака, и земля с пробегающими по ней не только пятнами света и тенями от облаков, но и какими-то «нервными судорогами». Люди в драме не участвуют, да их и невозможно представить в этом ландшафте: здесь сталкиваются стихии, идет сражение, в котором человеку нет места. Он может лишь смотреть на этот озаряемый молниями город на высоком холме и молиться.
Будучи в Испании гостем, Эль Греко едва ли не лучше многих рожденных здесь художников почувствовал страстную и религиозную испанскую душу, которая живет и дышит на его полотнах.

Франсиско Сурбаран (1598 – 1664). Детство Мадонны – Около 1632-1633. Холст, масло. 116,8x94. Метрополитен. Нью-Йорк

Полотна испанского художника XVII века Франсиско Сурбарана, проникнутые глубоким религиозным чувством, обретают удивительную нежность, когда он пишет детей. На картине «Детство Мадонны» изображена маленькая Мария, которая с усердием молится. Лицо прекрасного дитя обращено к небу, а вокруг, в бессловесном почтении собрались ангелы. Их лики едва видны, они словно нимб святого окружают девочку. Вокруг ребёнка растут цветы, корзиночка с чистым, белым покрывалом. Рядом, на столике маленькая книга – это молитвенник и ножницы - символ будущего посвящения.

Трогательны Ее пухлые детские щеки, сложенные в молитве руки, цветочки у ног, корзиночка. Но цветы, стоящие в вазе, напоминают о том, к чему призвана эта девочка: лилии - символ чистоты и непорочности, а розы - царицы садов и цветы Царицы небесной. В картине соединяется светлый и наивный мир ребенка и понимание юным человеком своего предназначения. Это и рождает тончайшее напряжение, передающееся зрителю.

Истово верящую девочку Сурбаран изображает со всей серьезностью, но и умиляется этим ребенком. Как худож­ник барокко, он старается усилить эффект, который должна произвести картина. Отсюда - и раздвинутый занавес в комнате, являющий молящуюся Марию зрителю, и Ее блестящие влагой глаза. Эти слезы - еще и слезы самого живо­писца, которых он не мог сдержать, когда создавал одно из своих самых лиричных произведений.

Хусепе де Рибера. Святое семейство со святой Екатериной. 1648. Холст, масло. 209,6x154,3. Метрополитен. Нью-Йорк

Родившись в Испании, Хусепе де Рибера (1591-1652) большую часть жизни прожил в Италии, сначала работая в Риме, а потом - при неаполитанском королевском дворе. На его творчество оказала сильное влияние живопись Караваджо с ее контрастами света и тени, а также персонажами, словно пришедшими с улицы, но при этом полными величия и естественной красоты.
Изображенная в этой картине сцена обручения святой Екатерины с Христом (мистическое обручение, в результате которого Екатерина становится «невестой Христовой») освещена яркой вспышкой света, выхватывающей главных действующих лиц из полумрака. Такой прием, как и драпировки, лежащие крупными, свободными складками, придает работе оттенок театрализации, к которой были склонны живописцы эпохи барокко. И в то же время это произведение наполнено живыми человеческими эмоциями: Богоматерь нежно и тревожно склонила голову к Младенцу, святая Екатерина с душевным трепетом целует Ему руку. Лица святой Екатерины и Богоматери, так же как и их движения, красивы и нежны, но при этом сдержанны. Строгость и сентиментальность были отличительными особенностями творчества большинства испанских художников того времени.

 

Джон Констебл (1776 – 1837). Собор в Солсбери - Около 1825. Масло, холст. 87,9х111,8. Метрополитен. Нью-Йорк

Джон Констебл считал, что настоящий мастер пейзажа должен быть смиренным учеником природы. Противник академической живописи, он постигал световые и цветовые законы ее изображения и задолго до импрессионистов стремился выразить «первое впечатление» от увиденного пейзажа. Констебл не интересовался другими краями, не ездил в заграничные поездки, он рисовал свою «старую, зеленую Англию».

Собор в Солсбери изображен в просвете между деревьями, осенняя листва которых написана легкими, почти прозрачными мазками. Коровы, пьющие из озерца на переднем плане, вносят в картину пасторальный оттенок. Слева мастер поместил прогуливающуюся пару - епископа Солсбери Фишера с женой, которые, стоя под сенью деревьев, рассматривают собор. Здание на фоне неба с летящими облаками выглядит особенно легким, наполненным солнцем и воздухом, а его вид в обрамлении деревьев еще больше притягивает взгляд.
Колеблющийся серебристый свет, рассеянный в небе, ложится отблесками на окружающий пейзаж. Солнечные лучи освещают собор, создавая чудесную гармонию, в которой природа и рукотворное произведение человека кажутся единым целым.
В этой работе художник ненавязчиво сопоставляет природу и архитектуру, словно говоря: творение рук человеческих должно быть уравновешенным и выверенным во всех своих частях, только тогда оно будет эстетически привлекательным, а дерево, даже растрепанное, с сухими и обломанными ветками - все равно красиво.

Пьер Огюст Ренуар. Портрет мадам Шарпантье с детьми. 1878. Холст, масло. 153,7x190,2. Метрополитен. Нью-Йорк

Самый, наверное, солнечный и жизнелюбивый из всех импрессионистов, Пьер Огюст Ренуар (1841-1919) написал эту картину по просьбе мадам Шарпантье, жены крупного издателя французской литературы и одного из первых коллекционеров полотен импрессионистов. Ренуар был вхож в ее салон, где собирались известные литераторы, художники, музыканты.
Мадам Шарпантье изображена сидящей в гостиной своего дома вместе с детьми - дочерью Жоржеттой и сыном Полем - и большой собакой. Полотно несет в себе некоторый отпечаток салонной живописи, а поза женщины несколько нарочита и парадна, но живописная манера Ренуара затмевает эту искусственность позы. Не только голубой, белый и золотисто-желтый цвета наполнены у художника воздухом, но и его любимый «черный», точнее, берлинская лазурь, которой написано платье мадам Шарпантье, полное рефлексов и оттенков. Живость и непосредственность, которыми отмечены здесь детские образы, вносят в атмосферу картины настроение играющего веселья.
Портрет был так благосклонно принят публикой, что на Ренуара посыпались заказы и он оказался одним из самых востребованных портретистов.

Источники:

• Великие музеи мира. Метрополитен. Том 5./ автор текста И. Кравченко. – М.: ЗАО «Издательский Дом «Комсомольская правда», 2011. – 96 с., илл.
• https://muzei-mira.com/biografia_hudojnikov сайт «Музеи мира»